EL GRECO - RENACIMIENTO

1541 - 1614. 

Su obra se compone de grandes lienzos para retablos de iglesias, numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas, en los que a menudo participó su taller, y un grupo de retratos considerados del máximo nivel. En sus primeras obras maestras españolas se aprecia la influencia de sus maestros italianos. Sin embargo, pronto evolucionó hacia un estilo personal caracterizado por sus figuras manieristas extraordinariamente alargadas con iluminación propia, delgadas, fantasmales, muy expresivas, en ambientes indefinidos y una gama de colores buscando los contrastes. Este estilo se identificó con el espíritu de la Contrarreforma y se fue extremando en sus últimos años.

Actualmente está considerado uno de los artistas más grandes de la civilización occidental. Esta alta consideración es reciente y se fue formando a lo largo del siglo XX.

FRANCISCO PACHECO - RENACIMIENTO

1564 - 1644.

Fue maestro y suegro de Velázquez, así como maestro de Alonso Cano y Francisco López Caro. 

Su obra se caracteriza por un manierismo de corte académico de influencia del arte italiano y flamenco. Sigue las formas de los grandes maestros, pero representa las figuras y ropajes con una dureza estática. No evolucionó demasiado, tal vez hacia el realismo y es valorado como buen dibujante y modesto pintor. Sin embargo, dada su dedicación al estudio, análisis y explicación del arte, Pacheco influyó mucho en la iconografía de la época. Es muy singular su pintura hagiográfica, que ocupa el grueso de su producción.

JOSÉ DE RIBERA - BARROCO

1591 - 1652.

Cultivó un estilo naturalista que evolucionó del tenebrismo de Caravaggio hacia una estética más colorista y luminosa, influida por Van Dyck y otros maestros. Contribuyó a forjar la gran escuela napolitana que le reconoció como su maestro indiscutible; y sus obras, enviadas a España desde fecha muy temprana, influyeron en técnica y modelos iconográficos a los pintores locales, entre ellos Velázquez y Murillo. Sus grabados circularon por media Europa y consta que hasta Rembrandt los conocía. Autor prolífico y de éxito comercial, su fama reverdeció durante la eclosión del realismo en el siglo XIX; fue un referente imprescindible para realistas como Léon Bonnat. Algunas de sus obras fueron copiadas por pintores de varios siglos, como Fragonard, Manet, Fortuny y Henri Matisse, entre otros. 

Ribera es una de las figuras capitales de la pintura, no solo de la española, sino de la europea del siglo XVII y, en cierto modo una de las más influyentes ya que sus formas y modelos se extienden por toda Italia, Centroeuropa y la Holanda de Rembrandt 

FRANCISCO DE ZURBARÁN - BARROCO

1598 - 1664.

Destacó en la pintura religiosa, siguiendo las disposiciones de la contrarreforma sobre el Arte. Sus obras muestran una aguda observación y reproducción del natural, especialmente en la captación de los valores táctiles. Asimismo, un gran talento para resaltar las figuras, sobre fondo oscuro en su primera etapa y sobre bellos paisajes después. Su colorido es muy personal y bien armonizado: rosas, malvas, verdes, y unos espléndidos blancos. Zurbarán siempre resalta la humanidad de los personajes santos, y representa los elementos naturales y las escenas cotidianas con un aire real y espiritualizado al mismo tiempo, en un ambiente de mágico silencio.

Las pinturas de Zurbarán fueron de las que más padecieron este expolio Francés.  Quedaron dispersas en colecciones públicas o privadas de varios países. Estas dispersiones —funestas para el patrimonio artístico español— dieron a conocer la obra de Zurbarán en todo el mundo.  

DIEGO VELÁZQUEZ - BARROCO

1599 - 1660.

Considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal. Su presencia en la corte le permitió estudiar la colección real de pintura que, junto con las enseñanzas de su primer viaje a Italia, donde conoció tanto la pintura antigua como la que se hacía en su tiempo, fueron influencias determinantes para evolucionar a un estilo de gran luminosidad, con pinceladas rápidas y sueltas. En la segunda parte del siglo XIX fue considerado como el realista supremo y el padre del arte moderno.​ A finales de siglo se añadió la interpretación de Velázquez como un pintor protoimpresionista. Fue Pablo Picasso quien rindió a su compatriota el homenaje más visible, con la serie de lienzos que dedicó a Las meninas (1957) reinterpretadas en estilo cubista, pero conservando con precisión la posición original de los personajes.

BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO - BARROCO

1618 - 1682.

Formado en el naturalismo tardío, evolucionó hacia fórmulas propias del barroco pleno con una sensibilidad que a veces anticipa el rococó en algunas de sus más peculiares e imitadas creaciones iconográficas, como la Inmaculada Concepción o el Buen Pastor en figura infantil. Personalidad central de la escuela sevillana, con un elevado número de discípulos y seguidores que llevaron su influencia hasta bien entrado el siglo XVIII, fue también el pintor español mejor conocido y más apreciado fuera de España.  Condicionado por la clientela, el grueso de su producción está formado por obras de carácter religioso con destino a iglesias y conventos sevillanos tanto como a la devoción privada, pero a diferencia de otros grandes maestros españoles de su tiempo cultivó también la pintura de género de forma continuada e independiente a lo largo de buena parte de su carrera.

FRANCISCO DE GOYA - SIGLOS XVIII Y XIX

1746 - 1828.

Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. Su estilo evolucionó desde el rococó, pasando por el neoclasicismo, hasta el prerromanticismo, siempre interpretados de una forma personal y original, y siempre con un rasgo subyacente de naturalismo, del reflejo de la realidad sin una visión idealista que la edulcore ni desvirtúe, donde es igualmente importante el mensaje ético. Para Goya la pintura es un vehículo de instrucción moral, no un simple objeto estético.  El arte goyesco supone uno de los puntos de inflexión que entre los siglos XVIII y XIX anuncian la pintura contemporánea y es precursor de algunas de las vanguardias pictóricas del siglo XX, especialmente el expresionismo.​ Por todo ello, se le considera uno de los artistas españoles más relevantes y uno de los grandes maestros de la historia del arte mundial. Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas.

JOAQUÍN SOROLLA - IMPRESIONISMO

1863 - 1923.

Artista prolífico, dejó más de 2200 obras catalogadas. Su obra madura ha sido etiquetada como impresionista, postimpresionista y luminista. Se destacó en la pintura de retratos, paisajes y obras monumentales de temática social e histórica. Sus obras más típicas se caracterizan por una hábil representación de la gente y el paisaje bajo la brillante luz del sol de España y el agua iluminada por el sol.

La obra de Sorolla está representada en museos de toda España, Europa, América y en numerosas colecciones privadas de Europa y América.  

IGNACIO ZULOAGA - RETRATO

1870 - 1945.

Obtuvo grandes premios y distinciones tanto a nivel nacional como internacional. La crítica de París lo denominó «el último gran maestro de la Escuela Española de pintura».

La pintura de Zuloaga fue de las más discutidas por la crudeza de su dramatismo. La expresión de un realismo empecinado en presentar la crónica de la época, particularmente de una Castilla en cierto modo deformada por la literatura del 98.

Su obra se caracteriza por paisajes urbanos de los pueblos de España, los tipos populares, la forma realista de abordar las escenas o la influencia de Goya tanto en la temática taurina y la forma cruenta de representarla como en el uso de una paleta cromática oscura donde destaca la presencia del negro, que enlaza con las pinturas negras del artista aragonés. 

PABLO PICASSO - CUBISMO

1881 - 1973.

Es considerado desde la génesis del siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en los variados movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Sus trabajos están presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales. También tiene una breve obra literaria. 

Es conocido como el cofundador del cubismo, inventor de la escultura construida, el inventor del collage y por la variedad de estilos que ayudó a desarrollar y explorar. Entre sus obras más famosas se encuentran las pinturas cubistas Las niñas de Avignon (1907) y Guernica (1937), una pintura del bombardeo alemán de Guernica durante la Guerra Civil española.

JUAN GRIS - CUBISMO

1887 - 1927.

Fue un pintor e ilustrador español que desarrolló su actividad principalmente en París. Es considerado uno de los maestros del cubismo. A partir de 1913 inicia su conversión al cubismo sintético , del que se convierte en un firme intérprete, con un amplio uso del papier collé o collage . A diferencia de Picasso y Braque, cuyas obras cubistas eran prácticamente monocromáticas , Gris pintaba con colores brillantes y armoniosos en atrevidas y novedosas combinaciones a la manera de su amigo Matisse. El claro marco geométrico subyacente de estas obras aparentemente controla los elementos más finos de las composiciones. 

En 1919 y particularmente en 1920, artistas y críticos comenzaron a escribir de manera notoria sobre este enfoque "sintético" ya afirmar su importancia en el esquema general del cubismo avanzado. 

JOAN MIRÓ - CUBISMO

1893 - 1983.

Fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español. En sus obras reflejó su interés por el subconsciente de lo «infantil» y en la cultura y tradiciones de Cataluña. Aunque se le asocia al arte abstracto por su estilo maduro de formas estilizadas e imaginarias, en su juventud se inició en la figuración, con fuertes influencias fauvistas, cubistas y expresionistas.  A partir de 1920, Miró desarrolló un estilo muy preciso, seleccionando cada elemento de forma aislada y detallada y disponiéndolos en una composición deliberada. En 1922, Miró exploró el surrealismo abstracto y fuertemente coloreado en al menos una pintura. A mediados de la década de 1920, Miró desarrolló el lenguaje de señas pictórico que sería central durante el resto de su carrera. Joan Miró fue uno de los primeros artistas en desarrollar el dibujo automático como una forma de deshacer las técnicas establecidas anteriormente en la pintura y, por lo tanto, con André Masson, representó el comienzo del surrealismo como movimiento artístico. La pintura tetradimensional era un tipo de pintura teórica propuesta por Miró en la que la pintura trascendería su bidimensionalidad e incluso la tridimensionalidad de la escultura.

SALVADOR DALÍ - SURREALISMO

1904 - 1989.

Fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español del siglo XX. Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo.

Salvador Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante.​ Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la capacidad de acrisolar un estilo genuinamente personal y palpable al primer contacto, que en realidad era muy ecléctico y que «succionó» de innovaciones ajenas. 

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objetivo era atraer la atención pública.  

ANTONI TAPIES - INFORMALISMO

1923 - 2012.

Fue un pintor, escultor y teórico del arte español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX. 

De formación autodidacta, Tàpies creó un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el que se combinaban la tradición y la innovación dentro de un estilo abstracto, pero lleno de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado sentido espiritual dado por el artista a su obra, donde el soporte material trasciende su estado para significar un profundo análisis de la condición humana.